bio

 

contact


 Ewa Surowiec / Gosia Herc /  Verónica Bapé / Fabiana Sala / Gosia Wojas / Rahel Levine / Karolina Kaźmierska /  Balam Bartolomé / Katie Zazenski /  Julia Sadowska / Martyna Szczęsna / Julian Gilbert Davis / Sandra Lapage / Carlos Pileggi / Viktor Witkowski / Jarema Drogowski / Maiada Aboud 

Ewa Surowiec / Gosia Herc

A native of Poland, Gosia Herc currently lives and practices in Southern California. Her sculptural work engages concepts of domesticity, simulation, and perpetual erasure, focusing on the architecture aboard military installations, particularly Marine Corps Base Camp Pendleton. Her practice slips between collecting, archiving, voyeurism, and vandalism. Gosia is a graduate of the University of California at Irvine MFA program and alumna of the Visual Arts program at the University of California at San Diego where she currently works as a lecturer.

Pochodząca z Polski Gosia Herc obecnie mieszka i pracuje w południowej Kalifornii. W swych pracach skupia się na koncepcie domu i symulacji, koncentrując się na architekturze instalacji wojskowych. Jej praktyka oscyluje między kolekcjonowaniem, archiwizacją, podglądaniem i wandalizmem. Gosia jest absolwentką programu MFA Uniwersytetu Kalifornijskiego w Irvine oraz absolwentką  wydziału Sztuk Wizualnych na Uniwersytecie of California w San Diego, gdzie obecnie pracuje, jako wykładowca.

 

 


Ewa Surowiec  was born in Łódź in Poland. She has studied painting at the Academy of Fine Arts in Wrocław and graduated in 2009 from University of Fine Arts in Braunschweig in Germany. In 2010 she obtained  a postgraduate diploma after completing Postgraduate Curatorial Studies at the Jagiellonian University in Cracow. Her scope of interest includes experimental films, video art, collage, painting and installation.. In her practice she is interested in communication and human mental condition in the age of new technologies and constantly changing society. She has taken part in many art shows, screenings and projects.

 Urodzona w Łodzi Ewa Surowiec studiowała malarstwo na Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu i ukończyła Wyższą Szkołę Sztuk Pięknych w Brunszwiku, w Niemczech. W 2010 roku otrzymała dyplom ukończenia Muzealniczych Podyplmowych Studiów Kuratorskich na Wydziale Historii Sztuki Uniwersytetu Jagiellońskiego w Krakowie. W swojej pracy artystycznej stosuje różne media. Tworzy filmy eksperymentalne, video, collage, malarstwo i instalacje przestrzenne. Głównym tematem jej prac jest komunikacja w ciągle zmieniającym się społeczeńśtwie oraz sytuacja człowieka w świecie opanowywanym przez coraz to nowsze technologie. Brała udział w wielu wystawach i projektach. 

                                                                                                                                                                                                                       copyright: courtesy of the Galeria Studio, Warsaw, photo: Remi Urant (right)


 
 
 Verónica Bapé / Fabiana Sala

Verónica Bapé studied the Bachelor in the National School of Painting, Sculpture and Engraving ENPEG “La Esmeralda” (2003 – 2007, Mexico City). During 2015, she held a Production Residence at the Bilbao Arte Foundation (Spain). She has participated in individual and collective, national and international exhibitions around Mexico, Latin America and Europe. In 2018 her work was part of the XVIII Tamayo Biennial and in 2019 she held an artistic residency at the Nordic Artist’s Center Dale, Dale, Norway.Verónica Bape’s work explores the concept of folklore and different mythologies around superstition, ghosts, death and witchcraft. She solves her work through painting, graphics, poetry, object and video. The relations that she generates between the different media that she uses, reveals the structures, contexts and lexicons of the topics of her interest. In her last pieces, she takes pre-Hispanic history, shamanism and ancient beliefs as a sieve to understand her identity within the contemporary society. “I like to think about my work as energetic bodies, that are both an extract and a reflection of my cultural constructions. Each one of my pieces is designed to function as a body and an object, and in this way be able to work as a ritual or espiritual piece .”

Verónica Bapé studiowała w latach 2003-2007 na Akademii Sztuk Pięknych ENPEG ” La Esmeralda” w w Mexico City. W roku 2015 uczestniczyła w programie rezydencji dla artystów  Fundacji Sztuki Bilbao w Hiszpani. Brała udział w wielu wystawach zbiorowych i indywidualnych w Meksyku, Ameryce Łacińskiej i Europie. W 2018 jej prace pokazywane były na Bienalle Tamayo a w 2019 roku otrzymała rezydencję w Nordyckim Centrum Sztuki Dale w Norwegii. Tematyką jej prac jest przedewszystkim lokalny folklor i mitologie  związane z przesądami, śmiercią, wiarą w duchy i magią. Zajmuje się malarstwem, grafiką, poezją, obiektem i video. Tworzy relacje między mediami, generując struktury, konteksty i encyklopedie tematyczne. W ostatnich pracach zajmowała się tematyką przedhiszpańskiej historii, szamanizmem i starożytnymi wierzeniami, aby zrozumieć dogłębniej własną tożsamość we współczesnym społeczeństwie. “Lubię myśleć o moich pracach, jako o ciałach energetycznych,będących jednocześnie ekstraktem i refleksją moich  konstruktów kulturowych. Kazda z moich prac funkcjonuje, jako ciało i obiekt aby jednocześnie zaistnieć w formie zarówno rytualnej jak i spirytualnej.”

  


Fabiana Sala was born in Varese, Italy in 1988. She moved to Lugano to attend The Swiss University of Art and Design (SUPSI). After graduation with a BA in Visual Communication, she collaborated with Theredbox Communication Design in Lugano (CH) where she assisted the Art director Alberto Bianda working on: the catalogue of Carrà’s Landscapes 1921-1964 (the first retrospective put on by a Swiss museum) and Visti&Scritti, by the Magnum photographer Ferdinando Scianna. In collaboration with The World press photographer Alessio Romenzi, she did the graphic of the event “Syria, a forgotten war”, a Lecture by Alessio Romenzi. In 2013 she moved to Boston, where she studied photography with Rania Matar at Massart (Massachusetts College of Art and Design). Fabiana’s work has been featured in Vogue.it, Featureshoot.com, BuzzFeed and in several group shows including Rita K. Hillman Education Gallery, International Center of Photography (New York), Lorimoto Gallery (New York), A.I.R. Gallery (New York), Photoville (New York), China International Photography Festival, Pingyao (China), Kimmel Galleries, New York University (New York) and Triennale di Milano (Italy). Fabiana Sala is graduated from the Photojournalism and Documentary program at the International Centre of Photography and she is currently based in Berlin and New York, where she’s working at EyeEm and at The International Centre of Photography.

Fabiana Sala urodzona w Varese, we Włoszech w 1988 roku. Ukończyła z tytułem BA Szwajcarski Uniwersytet Sztuki i Designu (SUPSI) na wydziale Komunikacji Wizualnej. Współpracowała z Theredbox Communication Design w Lugano, gdzie asystowała dysrektorowi naczelnemu Alberto Bianda w pracy nad katalogiem “Pejzaże Carry 1921-1964” (pierwsza retrospektywa Muzeum Szwajcarskiego) oraz “Visti e Scritti” Ferdinando Scianna. Współpracowała z fotografem Alessio Romenzi nad oprawą graficzną wydarzenia “Syria, zapomniana wojna”. W 2013 przeprowadziłą się do Bostonu, gdzie studiowała fotografię u Rania Matar na MASSART (Massachusetts College Art and Design). Prace Fabiany publikowane były w Vogue.it, Featureshoot.com, BuzzFeed oraz pokazywane w wielu wystawach grupowych, międzyinnymi w Rita K. Hillman Education Gallery, International Center of Photography (New York), Lorimoto Gallery (New York), A.I.R. Gallery (New York), Photoville (New York), na Międzynarodowym Festivalu Sztuki w Chinach w Pingayao, Kimmel Galleries, New York University (New York) and Triennale di Milano (Wlochy). Fabiana ukończyła również Fotografię Dziennikarską i Dokumentalną w Międzynarodowym Centrum Fotografii, gdzie oprócz swojej działalnośći w EyeEm, również pracuje. Obecnie mieszka w Berlinie i w Nowym Yorku.


Gosia Wojas / Rachel Levine

Gosia Wojas was born in 1977 in Poland and is currently living and working in Los Angeles. An artist, cultural worker and organizer, and sometimes writer, Wojas roots her practice in the topics of gendered affective and reproductive labor and the potential for resistance. Her work often takes the form of installations, sculpture, still and moving image, essays, and performances. Wojas is also the founder of the discussion series, The Absent Museum, and the publication series, Material-i-ty. She has also organized talks, film screenings, exhibitions and performances at venues, such as MAK Center for Art and Architecture, Los Angeles, CA (2019), Łaznia Center for Contemporary Art, Gdansk, Poland (2018), California Institute of the Arts, Valencia, CA (2019/2018), Women’s Center for Creative Work, Los Angeles, CA (2016), Souterrain gallery, at the Hoffmann Collection in Berlin, Germany (2012), Torrance Art Museum, Torrance, CA (2008), as well as Susanne Vielmetter Los Angeles Projects, Los Angeles, CA where she served as a director from 2006-2009. Wojas received her BFA in Art from California Institute of the Arts and is an MFA candidate in Art at University of California, Irvine.

Gosia Wojas urodziła się w 1977 roku w Polsce, obecnie mieszka i pracuje w Los Angeles. Artystka, działaczka i organizatorka kultury, a czasem pisarka, Wojas zakorzenia swoją praktykę w tematyce związanej z pracą genderowo afektywną i reprodukcyjną oraz z potencjałem oporu. Jej prace często przybierają formę instalacji, rzeźby, nieruchomego i ruchomego obrazu, esejów i performansów. Wojas jest także twórcą serii dyskusyjnej The Absent Museum oraz serii wydawniczej Material-i-ty. Organizowała także dyskusje, pokazy filmowe, wystawy i performansy w takich miejscach jak MAK Center for Art and Architecture, Los Angeles, CA (2019), Łaznia Center for Contemporary Art, Gdańsk (2018), California Institute of the Arts , Valencia, CA (2019/2018), Women’s Center for Creative Work, Los Angeles, CA (2016), Souterrain gallery, w Hoffmann Collection w Berlinie, Niemcy (2012), Torrance Art Museum, Torrance, CA (2008), a także Susanne Vielmetter Los Angeles Projects, Los Angeles, CA, gdzie pełniła funkcję dyrektora w latach 2006-2009. Wojas uzyskała tytuł BFA w dziedzinie sztuki na California Institute of the Arts i jest kandydatem na tytuł magistra sztuki na Uniwersytecie Kalifornijskim w Irvine.


Rachel Levine is a visual artist who works predominantly with sculpture and writing. Working with casting and replication processes; these methods of production inform both the aesthetic and conceptual bases of their work. Levine is interested in transforming the image and materiality of objects as a way of interrogating perception and experiential states and translating the ineffable into a material vocabulary. Throughout both their sculptural and writing work Levine utilizes ideas of translation to explore the impossibilities and frustration of communication. Levine’s work takes the form of texts, sculptures and installations; recently their work has focused on ideas of interiority and exteriority in relation to both the physical and the psychological. Rachel Levine is a current MFA student at The University of California Irvine. They received their BA from The Glasgow School of Art. Levine has had solo exhibitions at Rond Point Projects, Marseille, The Hayward Gallery, London and Intermedia Gallery, CCA, Glasgow, as well as group exhibitions throughout the UK and Europe. Levine has been artist in residence at Triangle, France, The Banff Centre, Canada, The Scottish Sculpture Workshops and Home Workspace, Ashkal Alwan, Beirut, Lebanon.

Rahel Levin jest artystką wizualną pracującą głównie w obszarze rzeźby. Pisze również teksty. Pracuje głównie z odlewami i zajmuje się procesami replikacji. Te metody pracy stanowią podstawę zarówno estetyczną jak i konceptualną jej prac. Levine skupia się na transformacji obrazu i materialności obiektu, aby kwestionować percepcję i stany doświadczania, tłumacząc z tego co nieopisane na język materialności. Zarówno w swojej pracy rzeźbiarskiej jak i tekstach Levine korzysta z idei translacji, jako narzędzia do eksploracji komunikacyjnej niemożności i frustracji. Jej prace, zazwyczaj w formie tekstu, rzeźby czy instalacji, ostatnio skupiają się na idei przeciwieństwa pomiędzy tym, co wewnątrz a tym co na zewnątrz w aspekcie zarówno fizycznym, jak i psychologicznym. Levine jest obecnie studentką na Uniwersytecie Kalifornijskim Irvine. Studiowała w Wyższej Szkole Sztuk Pięknych w Glasgow. Artystka miała wystawę indywidualną w Rond Point Projects Marseille, The Hayward Gallery w Londynie i Intermedia Gallery w Glasgow. Brała udział w wielu wystawach w Wielkiej Brytanii i Europie. Brała udział w wielu rezydencjach artystycznych, między innymi: Triangle we Francji, The Bariff Centre w Kanadzie, The Scottish Sculpture Workshops and Home Workspace Ashkal Alwan w Libanie.

 


Karolina Kaźmierska / Balam Bartolomé

Karolina Kaźmierska is an artist born in Poland, currently based in Paris, France.  In 2009, she graduated from the MFA Fine Arts program at École Nationale Supérieure des beaux arts in Lyon. She has shown her work individually and in group exhibitions in several cities of the world including: New York (USA), Warsaw (Poland), Berlin (Germany), Lyon (France) and Łódź (Poland). She is interested in the role of images in the creation of a visual culture and their capacity to waken the viewer’s subconscious thoughts with their “emotional baggage.” She aims to question the passivity, with which we are getting new conflicts and wars appearing in the world. Her practice encompasses several mediums: light installation, cut-outs in newspaper, performance.

 

Karolina Kaźmierska artystka pochodzenia polskiego, obecnie mieszka i pracuje w Paryżu. W 2009 roku ukończyła Wyższą Szkołę Sztuk Pięknych w Lyonie. Swoje prace pokazywała indywidualnie oraz na wystawach zbiorowych w kilku miastach świata m.in. w Nowym Jorku (USA), Warszawie (Polska), Berlinie (Niemcy), Lyonie (Francja) i Łodzi (Polska). Interesuje się rolą obrazów w tworzeniu kultury wizualnej i ich zdolnością do rozbudzania podświadomych myśli widza wraz z ich „emocjonalnym bagażem”. Przez swoje prace, chce zakwestionować bierność, z jaką odbieramy nowe konflikty i wojny pojawiające się na świecie. Jej praktyka obejmuje kilka mediów: instalację świetlną, wycinanki z gazet, performance.

 

 
 
 
 
 
Balam Bartolomé born in 1975 in Ocosingo, Chiapas, Mexico. Lives in Mexico City. Studied a B.A. on Visual Arts at the UNAM. First generation of Escuela Flora, at Flora Ars+Natura, in Colombia. His practice ranges from sculpture, photography, installation and video to drawing and writing. His work explores the relation between culture and matter, the study and analysis of culture, history and its drift in the present time, particularly around the ways in which contemporary cultures relate with their past. He has developed this idea by attending the next residencies: Regional Meeting of Art (Uruguay, 2007); International Studio & Curatorial Program (NYC, 2009); Nordic Kunstnarsenter (Norway, 2011); Bemis Center for Contemporary Arts (Nebraska, 2014); Casa Wabi Foundation (Mexico, 2015), Flora Ars+Natura (Colombia, 2016) and Sculpture Space (NY State, 2017). His work has been exhibited in non-profit art spaces, galleries, art fairs and museums in Argentina, Brasil, Canada, Colombia, Czech Republic, Estonia, France, Germany, Japan, Mexico, Netherlands, Norway, Paraguay, Portugal, Spain, UK, Uruguay and USA. His most representative exhibitions are Mexímoron, shown at the National Museum of Interventions (Mexico, 2018), Revés, solo show at the Carrillo Gil Museum (Mexico, 2014), 1st BIENALSUR (Argentina, 2017), 1st Bristol Biennial (England, 2012) and 15th Tallinn Triennial (Estonia, 2011). He currently co-directs, along with artist Antonio Monroy, the residency and research project Bienal Tlatelolca, in Mexico City.
 
Balam Bartolomé urodzony w 1975 woku w Ocosingo, Chiapas w Meksyku. Obecnie mieszka w Mexico City. Studiował Sztuki Wizualne na Uniwersytecie UNAM.Następnie w Escuola Flora na Flora Ars+Natura w Kolumbii. Jego praktyka artystyczna oscyluje między rzeźbą, fotografią, instalacją i video oraz rysunkiem. Pisze również teksty. Jego prace odkrywają relacje między kulturą i materią, eksplorują obszar studiów i analiz kulturowych i historycznych oraz ich wpływ na teraźniejszość. W sczególności badają, jak współczesna kultura odnosi się do przeszłości. Balam rozwijał swoje koncepcje na wielu rezydencjach artystycznych. Między innymi: Regional Meeting of Art (Urugwaj, 2007); International Studio & Curatorial Program (NYC, 2009); Nordic Kunstnarsenter (Norwegia, 2011); Bemis Center for Contemporary Arts (Nebraska, 2014); Casa Wabi Foundation (Meksyk, 2015), Flora Ars+Natura (Kolumbia, 2016) and Sculpture Space (NY 2017). Jego prace pokazywane były na wielu wystawach w galeriach, off-space, na targach sztuki i w muzeach w Argentynie, Brazylii, Kanadzie, Kolumbii, Czechach, Estonii, Francji, w Niemczech, Japonii, Meksyku, Holandii, Norwegii, Paragwaju, Portugalii, Hiszpanii, UK, Urugwaju i USA. Najbardziej reprezentatywne wystawy to Mexímoron w National Museum of Interventions (Meksyk, 2018), Revés, wystawa indywidualna w Carrillo Gil Museum (Meksyk, 2014), 1st BIENALSUR (Argentyna, 2017), 1st Bristol Biennial (Anglia, 2012) and 15th Tallinn Triennial (Estonia, 2011). Obecnie wspólnie z artystą Antonio Monroy współtworzy rezydencją i program badawczy Bienal Tlatelolca w Mexico City.
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 


 
Katie Zazenski /  Julia Sadowska
 
Katie Zazenski is a visual artist, curator, writer, and co-director of the independent, Warsaw-based Stroboskop Art Space. Her work has been included in exhibitions at public and private institutions including the San Diego Art Institute (CA, USA), the Mercedes Benz Americas Headquarters (MI, USA), the Zachęta National Gallery of Art (Warsaw, PL) and the Contemporary Art Center in Vilnius (LT). Zazenski received her MFA in Sculpture from the Cranbrook Academy of Art and is a two-time Fulbright Fellow to Poland where she is currently based. She lectures regularly in sculpture and drawing at private institutions in the US and Poland, including Dartmouth College (NH, USA) and the School of Form (PL). Most recently she has joined the editorial team at BLOK Magazine (PL) where she focuses on the community of non-institutional, artist-run/project spaces in Eastern Europe. She is also currently concluding a residency at the Center for Contemporary Art, Ujzadowski Castle (Warsaw) where she developed an experimental project with collaborator Aleksandra Andrzejewska for the Re–Directing: East x Empathic Pedagogies: Future Intimacies seminar.
 
 
Katie Zazenski jest artystką wizualną, kuratorką, pisarką i co-dyrektorką niezależnej przestrzeni wystawienniczej Stroboskop Art Space w Warszawie. Jej prace pokazywane były na wielu wystawach w instytucjach publicznych i prywatnych między innymi w San Diego Art Institute (CA, USA), Mercedes Benz Americas Headquarters (MI, USA), w Narodowej Galerii Sztuki Zachęta (Warszawa, PL) i w Centrum Sztuki Współczesnej w Wilnie (LT). Katie ukończyła rzeźbę na Cranbrook Academy of Art oraz dwukrotnie otrzymała stypendium Fullbright w Polsce, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Regularnie uczy w instytucjach publicznych i prywatnych w USA i w Polsce, między innymi w Dartmouth College (NH, USA) oraz w Szkole Form (PL). Ostatnio dołączyła do grupy edytorów magazynu BLOK (PL), gdzie skupia się na nieinstytucjonalnych, prowadzonych przez artystów przestrzeniach wystawienniczych w Europie Wschodniej. Obecnie jest artystką biorącą udział w projekcie rezydencji artystycznej  Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie, gdzie stworzyła eksperymentalny projekt wspólnie z Aleksandrą Andrzejewską : Re–Directing: Empatyczne pedagogiki: Przyszłe intymności.
 
 

 
 
 
 
 

 
 Julia Sadowska was born in the US in 1987, and raised in Poland until relocating to California in 2008. She received her BFA in Photography from San Francisco Art Institute and her MFA from University of California, Riverside. She uses photography, archives, and writing to create collages and installations that loosely point to cultural paradoxes and often juxtapose aesthetics of the now with aesthetics of the past. She has presented her works, served as an educator and archivist at several institutions across California. She now splits her time between Los Angeles, CA and Warsaw, Poland.
 
Julia Sadowska urodzona w USA w 1987 roku. Dorastała w Polsce a w 2008 roku powróciła do Kalifornii, gdzie ukończyła fotografię w Instytucie Sztuki w San Francisco a następnie ukończyła z tytułem MFA Uniwersytet Kalifornijski, Riverside. W swoich pracach wykorzystuje fotografię, archiwa, teksty i tworzy z nich kolaże i instalacje, które wskazują nam paradoksy kulturowe i często zestawiają estetykę współczesną z estetyką przeszłości. Prezentowała swoje prace, pracowała, jako edukatorka i archiwistka w wielu Instytucjach w Kalifornii. Obecnie mieszka i pracuje pomiędzy Los Angeles i Warszawą.
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 


Martyna Szczęsna / Julian Gilbert Davis


 Martyna Szczęsna (b. 1984 in Olsztyn, Poland) is a Brooklyn based multimedia artist whose work spans photography, installation and glass. Szczęsna immigrated to the United States in the early nineties, and has since received a BFA from the Cooper Union for the Arts and Sciences and an MFA in Photography from the University of California, Los Angeles. Her work has been supported by residencies at Penumbra Foundation, Yucca Valley Material Lab, Franconia Sculpture Park, Bullseye Glass, AZ West as well as the AIM program at the Bronx Museum. Select exhibitions include: Portrait of a Landscape, Museo Sivori, Buenos Aires; The Third Bronx Biennial, Bronx Museum, NY; Flat Touch, Pratt Institute, Brooklyn, NY; and Palliative Geometries, Dorsky Projects, LIC.

Martyna Szczęsna ( urodzona w 1984 roku w Olsztynie ) obecnie mieszka i pracuje w Brooklynie w NY. Jest artystką multimedialną. W swoich pracach łączy fotografię, instalację i szkło. Martyna wyemigrowała do USA w latach 90 i tam ukończyła  Cooper Union for the Arts and Sciences oraz otrzymała MFA z fotografii na Uniwersytecie Kalifornijskim w Los Angeles. Brała udział w rezydencjach Penumbra Foundation, Yucca Valley Material Lab, Franconia Sculpture Park, Bullseye Glass, AZ West oraz w programie AIM at the Bronx Museum. Ponadto uczestniczyła w wielu wystawach, między innymi : “Portrait of a Landscape” w Museo Sivori, w Buenos Aires; The Third Bronx Biennial, Bronx Museum, NY; Flat Touch, Pratt Institute, Brooklyn, NY; and Palliative Geometries, Dorsky Projects, LIC.


Julian Gilbert-Davis (b. Chicago, IL) received his BFA from CalArts in 2008 and his MFA from Rutgers University in 2018. He previously served as a lecturer at the Yale School of Art. His work has been exhibited at MOCA Tucson, AZ; Locust Projects, Miami, FL; Bakehouse Art Complex, Miami, FL; the Zimmerli Museum, New Brunswick, NJ; and the New Haven Museum, New Haven, CT, among others.

Julian Gilbert-Davis urodzony w Chicago otrzymał BFA na CalArts w 2008 roku a nastepnie MFA na Rutgers University w 2018 roku. Pracował, jako wykładowca w Yale School of Art. Jego prace pokazywane były między innymi w MOCA Tucson, AZ; Locust Projects, Miami, FL; Bakehouse Art Complex, Miami, FL; the Zimmerli Museum, New Brunswick, NJ; and the New Haven Museum, New Haven, CT.



Sandra Lapage / Carlos Pileggi


Sandra Lapage got her MFA from the Maine College of Art in 2013. She has participated in collective and solo exhibitions in Brazil, Europe and the United States, notedly at the Brazilian Embassy in Brussels (2007), at the Ribeirão Preto Art Museum for the 2006 exhibition program, at the Centro Cultural São Paulo in 2012, at the Gowanus Loft (NYC) in 2014 and 2015, at the Blumenau Art Museum and Aura Arte Contemporânea (São Paulo) in 2018, Museu de Arte de Ribeirão Preto and Andrea Rehder Arte Contemporânea (São Paulo) in 2019, and A60 Contemporary Artspace (Milan), Kunsthalle am Hamburguer Platz (Berlin), Surface Gallery (UK), Tianjin International Digital Imaging Exhibition (China), SP-Arte (Brazil) and CICA Museum (Korea) in 2020.Sandra has resided at various institutions such as the Fondation Château Mercier (Switzerland) and NARS Foundation (NYC) for 6 months in 2014, Elefante Centro Cultural (Brasilia) in 2015, Camac Art Center (France) and Paul Artspace (USA) in 2016, Massachussets Museum of Contemporary Art in 2017 and Monson Arts in 2019, and will attend ART OMI and Odyssée (Château de Goutelas, France) in 2021. Sandra was a visiting artist at the Tyler School of Art (Philadelphia) and Maine College of Art (Portland), United States. In addition to her solo work, she develops a collaborative work in the collective Eclusa and runs, with 9 other artists and designers, the independent art space Vão in São Paulo. 

Sandra Lapage otrzymała tytuł MFA w Maine College of Art w 2013 roku. Uczestniczyła w wielu wystawach grupowych i indywidualnych w Brazylii, Europie i w Stanach Zjednoczonych. Między innymi w Ambasadzie Brazylijskiej w Brukseli ( w 2007 roku), w Ribeirão Preto Art Museum ( w 2006 roku), w Centro Cultural São Paulo (w 2012 roku), w Gowanus Loft w NYC (w roku 2014 i 2015). w Blumenau Art Museum oraz Aura Arte Contemporânea w São Paulo (w 2018) , Museu de Arte de Ribeirão Preto i Andrea Rehder Arte Contemporânea w São Paulo (w 2019 roku), A60 Contemporary Artspace w Mediolanie, Kunsthalle am Hamburguer Platz w Berlinie, Surface Gallery w Anglii, Tianjin International Digital Imaging Exhibition w Chinach, SP-Arte w Brazylii oraz w CICA Museum w Koreii (w 2020). Ponadto Sandra brała udział w wielu projektach i rezydencjach w instytucjach kultury takich jak np. Fondation Château Mercier w Szwajcarii, NARS Foundation w NY (6 miesięcy w 2014), Elefante Centro Cultural w Brazylii (w 2015 roku), Camac Art Center we Francji oraz Paul Artspace w USA (w  2016 roku), Massachussets Museum of Contemporary Art w 2017 roku oraz Monson Arts w 2019 roku. W 2021 roku zamierza wziąć udział w projekcie w ART OMI and Odyssée (Château de Goutelas we Francji.



Carlos Pileggi received his masters degree from the Maine College of Art in 2013, revalidated by the University of São Paulo. He participated in collective and individual exhibitions in Brazil, Europe and the United States. Since 2010, he has participated in several Art Residency programmes such as Triangle Arts Association (USA), Camac Art Center (France) and Paul ArtSpace (USA)and at Massachusetts Museum of Contemporary Art in 2017. He was a visiting artist at Tyler School of Art (Philadelphia) and Maine College of Art (Portland), United States. Carlos is involved in collaborative projects, A Eclusa (@aeclusa) and Reator (@reator.coletivo). He is currently the Programme Leader for the Foundation Art & Design Studies at the Britannic School of Creative Arts in São Paulo, Brazil.
 
Carlos Pillegi ukończył studia z tytułem MFA w  Maine College of Art w roku 2013, który nostryfikowany został przez 
Uniwersytet w São Paulo. Brał udział w wielu wystawach grupowych i indywidualnych w Brazylii, Europie i w Stanach Zjednocznonych. Od 2010 roku uczestniczył w wielu wystawach i programach, między innymi: Triangle Arts Association (USA), Camac Art Center (Francja), Paul ArtSpace (USA),  Massachusetts Museum of Contemporary Art in 2017. Był również artystą wizytującym, biorącym udział w programie uczelni Tyler School of Art (Philadelphia) oraz Maine College of Art (Portland) w Stanach Zjednoczonych.
Carlos tworzy również projekty oparte na kolabracji w tym projekt A.Eclusa (@aeclusa) z Sandrą Lapage oraz Reator (@reator.coletivo).
Obecnie jest liderem programu Fundacji Sztuki i Designu w Britannic School of Creative Arts w São Paulo, w Brazylii.

 
 
 
 
 
 
 
 
 

   

 

Viktor Witkowski is a painter and filmmaker. He was born in Poland and grew up in Germany where he graduated from the Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (HBK Braunschweig, Germany) with a combined master’s degree in Studio Art, Art History and Art Education in 2006. The same year, he immigrated to the US where he earned an MFA in Visual Arts from Rutgers University in 2010. He currently splits his time between Vermont (US) and Leipzig (DE). When he is not working on paintings and films, he teaches as lecturer in Dartmouth College’s Studio Art Department in New Hampshire.

Viktor Witkowski’s writing and criticism has been published on Hyperallergic, the Painters’ Table, in The Brooklyn Rail and the New Art Examiner. His films and videos have been screened at numerous festivals in the US and abroad including such venues as the Pergamon Museum in Berlin, the York Art Gallery in York (UK), the LA Underground Film Forum in Los Angeles, The Artists Forum Festival of the Moving Image in New York City, and the AVIFF Cannes Art Film Festival in Cannes (France). In addition, his paintings have been featured in solo and group shows across the US, as well as in France and Germany. 

Viktor Witkowski jest malarzem i twórcą filmów. Urodził się w Polsce i dorastał w Niemczech, gdzie w 2006 roku ukończył Wyższą Szkołę Sztuk Pięknych w Brunszwiku na kierunku Sztuk Pięknych i Historii Sztuki oraz Edukacji Artystycznej. W tym samym roku rozpoczął studia MFA na Uniwersytecie Rutger’s na kierunku Sztuk Wizualnych. Studia ukończył w 2010 roku. Obecnie pracuje pomiędzy Vermontem (USA) a Lipskiem (Niemcy). Zajmuje się malarstwem i filmem oraz pracuje, jako wykładowca w Dartmouth College’s Studio Art Department in New Hampshire.

Viktor publikował swoje teksty między innymi w Hyperallergic, the Painters’ Table, in The Brooklyn Rail and the New Art Examiner. Jego filmy i prace video pokazywane były na wielu wystawach i pokazach międzynarodowych jak: Pergamon Museum w Berlinie, York Art Gallery w York (UK), LA Underground Film Forum w Los Angeles, The Artists Forum Festival of the Moving Image w New York City, oraz AVIFF Cannes Art Film Festival in Cannes (Francja). Jego prace malarskie pokazywane były w wielu miejscach w USA, Niemczech i Francji.

Viktor Witkowski is a painter and filmmaker. He was born in Poland and grew up in Germany where he graduated from the Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (HBK Braunschweig, Germany) with a combined master’s degree in Studio Art, Art History and Art Education in 2006. The same year, he immigrated to the US where he earned an MFA in Visual Arts from Rutgers University in 2010. He currently splits his time between Vermont (US) and Leipzig (DE). When he is not working on paintings and films, he teaches as lecturer in Dartmouth College’s Studio Art Department in New Hampshire.

Viktor Witkowski’s writing and criticism has been published on Hyperallergic, the Painters’ Table, in The Brooklyn Rail and the New Art Examiner. His films and videos have been screened at numerous festivals in the US and abroad including such venues as the Pergamon Museum in Berlin, the York Art Gallery in York (UK), the LA Underground Film Forum in Los Angeles, The Artists Forum Festival of the Moving Image in New York City, and the AVIFF Cannes Art Film Festival in Cannes (France). In addition, his paintings have been featured in solo and group shows across the US, as well as in France and Germany. 

Viktor Witkowski jest malarzem i twórcą filmów. Urodził się w Polsce i dorastał w Niemczech, gdzie w 2006 roku ukończył Wyższą Szkołę Sztuk Pięknych w Brunszwiku na kierunku Sztuk Pięknych i Historii Sztuki oraz Edukacji Artystycznej. W tym samym roku rozpoczął studia MFA na Uniwersytecie Rutger’s na kierunku Sztuk Wizualnych. Studia ukończył w 2010 roku. Obecnie pracuje pomiędzy Vermontem (USA) a Lipskiem (Niemcy). Zajmuje się malarstwem i filmem oraz pracuje, jako wykładowca w Dartmouth College’s Studio Art Department in New Hampshire.

Viktor publikował swoje teksty między innymi w Hyperallergic, the Painters’ Table, in The Brooklyn Rail and the New Art Examiner. Jego filmy i prace video pokazywane były na wielu wystawach i pokazach międzynarodowych jak: Pergamon Museum w Berlinie, York Art Gallery w York (UK), LA Underground Film Forum w Los Angeles, The Artists Forum Festival of the Moving Image w New York City, oraz AVIFF Cannes Art Film Festival in Cannes (Francja). Jego prace malarskie pokazywane były w wielu miejscach w USA, Niemczech i Francji.


Jarema Drogowski is a conceptual artist using a variety of media as means of expression. He works with different media in order to match the technique to to the content and subject of his work. Currently he works at the Institute of Art Education of the Academy of Special Education in Maria Grzegorzewska University in Warsaw. Since 2009 he conducts classes in a field of art in public space and graphics. In 2020 he realized his interdiciplinary project “ADAM 2020”, supported by a scholarship of the Ministery of Culture and National Heritage – Culture in Web. He took part in many art exhibitions and art projects like “LWY I SYRENY” – collective exhibition of the Institute of Artistic
Education together with the University of Leipzig in Dom Kultury Kadr in Warsaw and at Neue Augustenum in Leipzig or “FLAG” – a group exhibition at Kordegarda Gallery in Warsaw. In 2017 he had his solo show “Freude” at Propaganda Gallery in Warsaw. He is also a sound producer and made several sound works.

Jarema Drogowski jest artystą konceptualnym stosującym w swojej twórczości różne media i środki wyrazu. Stara się dopasować technikę do tematu i treści dzieła. Obecnie pracuje w Instytucie Edukacji Wizualnej na Akademii Pedagogiki Specjalnej Warszawskiego Uniwersytetu Marii Grzegorzewskiej. Od 2009 roku prowadzi zajęcia z zakresu grafiki i sztuki w przestrzeni publicznej. W 2020 roku zrealizował projekt “ADAM 2020” wspierany w ramach programu stypendialnego “Kultura w sieci” Ministerstwa Kultury i Sztuki. Brał udział w wielu wystawach i projektach miedzy innymi: “Lwy i Syreny”- wystawa zbiorowa w Domu Kultury Kadr w Warszawie oraz w Neue Augustenum w Lipsku w ramach współpracy Instytutu Edukacji Wizualnej Uniwersytetu Warszawskiego z Uniwersytetem z Lipska czy też “FLAG” w Galerii Kordegarda w Warszawie. W 2017 roku miał wystawę indywidualną “Freude” w Galerii Propaganda w Warszawie. Jarema tworzy również prace dźwiękowe i muzykę.


Maiada Aboud‘s work deals with ways that social and religious structures interconnect and influence the individual. Using performance art (endurance), Maiada’s interest in social, political and religious issues draws on a unique and personal perspective. Born in Palestine (Arab Israeli), graduated from Haifa University, and received her education in the UK: where she completed her Masters at Coventry University, and her PhD at Sheffield Hallam University.

Her study attempts to connect the  political  analysis to the individual’s experience by using performance and relating it to culture and social life. The intention is to investigate identity using endurance/pain in art with the objectives to establish if these performances are linked to collective identities.